Category: K-film

O cinema de catástrofe sul-coreano tem uma tradição que muita gente no Ocidente desconhece. De *The Host* (2006) de Bong Joon-ho — onde um monstro emergindo do Rio Han vira espelho da corrupção política — a *Pandemia* (2013) e *Train to Busan* (2016), a Coreia transformou o disaster movie num gênero de comentário social. **A Grande Inundação** (대홍수) segue essa linhagem com um espetáculo visual de primeira classe e uma pergunta perturbadora: quando o Estado falha, o que os cidadãos devem a si mesmos?

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Ficha técnica

O cenário: Seul submersa

Uma série de falhas em infraestrutura hídrica causada por décadas de corrupção e negligência faz com que o sistema de drenagem de Seul colapse durante uma tempestade monumental. Em questões de horas, bairros inteiros ficam debaixo d'água. O governo paralisa. As comunicações falham. E três grupos de sobreviventes em localizações completamente diferentes precisam encontrar caminhos para sair da cidade enquanto a água sobe.

A escolha de estruturar o filme em três narrativas paralelas é tanto uma força quanto uma fraqueza. Permite que o filme explore diferentes camadas socioeconômicas da catástrofe — os ricos em arranha-céus de luxo, a classe média em apartamentos de andar médio, os pobres nas regiões mais baixas que foram as primeiras a afundar. Mas também dilui o investimento emocional em qualquer personagem específico.

Quando o disaster movie vira crítica social

O detalhe mais perturbador de *A Grande Inundação* não é a inundação em si — é a explicação do por que ela aconteceu. Ao longo do filme, em flashbacks intercalados, descobrimos que o sistema de drenagem de Seul havia sido repetidamente sinalizado por engenheiros como crítico, mas os relatórios foram suprimidos por interesses imobiliários ligados a políticos que não queriam o custo de reformas. O desastre não é um ato de Deus — é um ato de cumplicidade institucional.

Lee Jung-jae: de Squid Game para catástrofe

**Lee Jung-jae** — o Gi-hun de *Squid Game* — lidera o elenco como um engenheiro civil que trabalhou no sistema de drenagem e conhece exatamente onde as falhas estão. Seu personagem carrega o peso da culpa de um especialista que soou o alarme e foi ignorado. É um papel que exige menos intensidade física do que emocional, e Lee Jung-jae entrega com a maturidade de um ator que passou pela exposição global de *Squid Game* e claramente aprendeu a calibrar.

**Han Hyo-joo** interpreta uma médica que está no epicentro de um hospital em zona de inundação quando o desastre acontece. Seus arcos são os mais melodramáticos do filme — e ela os eleva acima do convencional com uma performance física de alto nível. **Ma Dong-seok** (Don Lee), o colosso de *Train to Busan*, aparece num papel de suporte que parece escrito especificamente para usar sua presença como âncora emocional em cenas de tensão.

Os efeitos especiais: onde o orçamento foi parar

Para um filme com orçamento de ₩50 bilhões, *A Grande Inundação* faz algo inteligente: gasta a maior parte em efeitos que servem ao drama, não ao espetáculo pelo espetáculo. As primeiras sequências de inundação — ruas de Seul sendo engolidas em planos amplos — são impressionantes e funcionalmente críveis. Mas os melhores momentos de efeitos são os menores: água subindo dentro de um carro, um edifício cedendo em câmera lenta, a superfície da água refletindo arranha-céus.

Tradição do disaster movie coreano

1. — Bong Joon-ho — o monstro do Rio Han como metáfora de negligência governamental
2. — Vírus transmissível por ar, crítica à resposta do Estado
3. — Zumbis em trem — retrato de classes sociais sob pressão extrema
4. — Homem preso sob túnel colapsado, crítica à burocracia de resgate
5. — Sequência de Train to Busan, sociedade pós-colapso
6. — Infraestrutura corrupta, Seul submersa, Estado paralisado

O problema das três narrativas

A maior falha estrutural de *A Grande Inundação* é que três histórias paralelas com protagonistas distintos dividem o investimento emocional de uma forma que nenhuma das três chega ao nível de envolvimento que *Train to Busan* alcançou com uma única família. Você assiste às três com interesse — mas sem o tipo de tensão visceral de "não deixa esse personagem morrer" que define os melhores exemplos do gênero.

Para quem é esse filme

Se você amou *Train to Busan* e quer mais disaster movie coreano com profundidade temática, *A Grande Inundação* entrega isso — com mais ambição visual e menos intensidade emocional. Se você busca a experiência claustrofóbica e emocionalmente demolidora do original, pode sair querendo mais. É um filme muito bom que fica na sombra de seus predecessores simplesmente por ter herdado um padrão muito alto.

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A Grande Inundação é espetáculo de alto nível com coração no lugar certo. Não reinventa o gênero, mas prova que o cinema coreano de catástrofe ainda tem muito a dizer sobre o mundo real.

A Grande Inundação (2025): 7.5/10

**Mantis** chegou à Netflix praticamente sem campanha de marketing prévia e passou semanas no top 10 global pelo boca a boca. É o tipo de thriller que o cinema coreano faz melhor: um personagem moralmente ambíguo, uma estrutura narrativa que parece simples mas vai complicando de formas inesperadas, e uma última meia hora que redefine tudo que você assistiu antes. Se você não ouviu falar, é o momento de prestar atenção.

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Ficha técnica

A premissa: o vigilante que não parece um herói

Kang Tae-gon (Oh Jung-se) é um funcionário público de meia-idade, sem nada de especial na aparência ou no comportamento, que passa seus dias processando documentos e suas noites investigando e punindo figuras poderosas envolvidas em corrupção sistêmica. O título — "Mantis" (louva-a-deus em coreano, *samagwi*) — refere-se ao apelido que a mídia dá a esse vigilante misterioso: silencioso, paciente, letal quando ataca.

O que diferencia Mantis da fórmula padrão de vigilante é a recusa do filme em fazer do protagonista um herói. Tae-gon não tem um trauma motivador limpo, não tem princípios morais claros sobre quem merece ser punido, e não tem um código de honra estilizado. Ele tem uma obsessão — e o filme passa boa parte do tempo examinando o que essa obsessão está custando a ele, às pessoas ao redor, e à ideia abstrata de justiça que ele acredita estar defendendo.

Oh Jung-se: um rosto inesperado para um papel assim

**Oh Jung-se** é mais conhecido no Brasil por *It's Okay to Not Be Okay* (2020), onde interpretou o irmão autista de Kim Soo-hyun num papel que lhe rendeu o Baeksang de Melhor Ator Coadjuvante. Escalá-lo como vigilante é uma escolha deliberadamente subversiva: ele não parece um herói de ação. Seu rosto é o rosto de um homem comum. E é exatamente isso que o filme precisa.

A performance de Oh Jung-se em *Mantis* opera quase inteiramente no silêncio. Há sequências longas em que vemos Tae-gon observando, esperando, calculando — e a câmera simplesmente fica no rosto dele. O ator entrega um personagem que você não consegue ler completamente, o que cria uma tensão constante: a qualquer momento, você não tem certeza do que ele vai fazer.

Eu queria que o espectador ficasse desconfortável com o protagonista. Se você torce para ele sem questionar, o filme falhou. A graça é você querer que ele vença e não saber se deveria.

— Park Kang, diretor, em entrevista ao Cine21 [VERIFICAR]

A corrupção como personagem

O cinema coreano tem uma relação especial com o tema da corrupção sistêmica — em parte porque a Coreia do Sul tem uma história real e documentada de escândalos envolvendo chaebols (conglomerados), políticos e sistema judiciário. *Mantis* usa essa tradição para criar um mundo onde a corrupção não é praticada por vilões obviamente malignos, mas por pessoas que encontraram arranjos convenientes e simplesmente pararam de questionar.

A estrutura em três atos que subverte a fórmula

Atenção: o próximo parágrafo contém informações sobre a estrutura narrativa (não são spoilers de trama, mas de forma). **Ato 1:** estabelece Tae-gon como vigilante eficaz — vemos sua metodologia, suas regras, seus alvos. **Ato 2:** uma investigação começa sobre o Mantis, e a câmera começa a questionar se Tae-gon é quem pensávamos. **Ato 3:** o filme desmonta as certezas dos dois atos anteriores de uma forma que forçosamente vai te fazer rever cenas que você assistiu.

Referências e linhagem cinematográfica

1. — Estabelece o modelo de thriller policial coreano com moral ambígua
2. — Redefinem o personagem do homem de um propósito no cinema asiático
3. — Confirmam que thriller de precisão é a especialidade do cinema coreano
4. — Globaliza o apetite por cinema coreano que critica estruturas sociais
5. — Thriller de vigilante e anti-herói na Netflix — um dos melhores da onda atual

A direção: uma estreia impressionante

**Park Kang** estava completamente desconhecido antes de *Mantis* — é seu primeiro longa-metragem. A qualidade técnica é impressionante para uma estreia: o filme usa uma paleta de cores muito específica (azuis e verdes frios contrastando com o vermelho quente das cenas de tensão), e tem uma consciência de ritmo que muitos diretores veteranos não dominam. Cada cena de Tae-gon em modo vigilante usa câmera na mão; cada cena de sua vida "normal" usa câmera estática e planos estáticos. A mudança de linguagem visual sinaliza ao espectador o estado mental do personagem sem precisar de diálogo.

Vale o hype? Para quem é esse filme?

Se você é fã de *Memories of Murder*, *A Hard Day* ou *The Yellow Sea* — o tipo de thriller coreano que trata seu protagonista como um ser humano falho em vez de um action hero — *Mantis* é obrigatório. Se você quer ação espetacular com explosões e perseguições, provavelmente vai se frustrar. Este é um filme sobre um homem quieto fazendo coisas terríveis por razões que você vai demorar 90 minutos para entender.

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Mantis prova que o cinema coreano de thriller ainda tem coisas novas a dizer sobre moral, justiça e o que as pessoas fazem quando decidem que o sistema falhou com elas. Veja. Depois veja de novo.

Mantis (2025): 8/10

Existe um tipo de filme que só o cinema coreano sabe fazer: aquele que coloca um personagem em uma situação extrema, moralmente impossível, e observa o que acontece com frieza cirúrgica enquanto a emoção transborda por todos os lados. **Kill Boksoon** é esse filme. Gil Boksoon é a melhor assassina profissional do mundo — e uma mãe solteira que não sabe como lidar com a filha adolescente. A premissa soa como comédia. O resultado é uma das experiências de cinema mais originais que a Netflix lançou nos últimos anos.

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Ficha técnica

O conceito que muda tudo

A originalidade de *Kill Boksoon* começa no conceito de mundo: assassinos profissionais existem numa indústria regulamentada, com contratos, escalas de preço, avaliações de desempenho e, claro, renovação de licença a cada três anos. **MK ENT** é a empresa onde Boksoon trabalha — e a cena em que ela discute sua renovação de contrato com o chefe como se fosse uma reunião de recursos humanos é uma das mais engraçadas e perturbadoras do ano. A corporatização do assassinato cria um comentário afiado sobre trabalho, lealdade e o que realmente vendemos quando vendemos nosso tempo.

Jeon Do-yeon: por que ela é insubstituível nesse papel

**Jeon Do-yeon** ganhou a Palma de Ouro de melhor atriz em Cannes em 2007 por *Secret Sunshine* — o que já coloca ela numa categoria rara. Em *Kill Boksoon*, ela usa toda a sua arsenal técnico para criar um personagem que é simultaneamente aterrorizante e patético, competente e perdida, fria como gelo e desesperadamente humana. A forma como ela transita entre a Boksoon assassina (postural, econômica, de olhar vazio) e a Boksoon mãe (insegura, maladroit, emotiva) é um exercício de atuação que merece estudo.

Há uma sequência no primeiro ato em que Boksoon, logo depois de completar uma missão com brutalidade metódica, recebe uma mensagem da filha perguntando que horas ela vai chegar em casa. Jeon Do-yeon faz a transição em tempo real — o rosto vai de pedra para algo que você poderia chamar de ansiedade materna comum, exceto que ela ainda está segurando uma arma. É um dos melhores 30 segundos de atuação que você vai ver.

Toda mulher que trabalha intensamente carrega essa sensação de que nunca está totalmente presente onde deveria estar. Boksoon só leva isso a um extremo que torna o absurdo visível.

— Jeon Do-yeon, entrevista para o Korea Herald [VERIFICAR]

As cenas de ação: coreografia como linguagem

Um dos maiores debates sobre *Kill Boksoon* gira em torno das cenas de ação. O coreógrafo **Kang Woo-seok** criou um estilo híbrido que mistura MMA com ballet — movimentos fluidos que têm uma lógica física convincente mas também uma estética que vai além do realismo. Boksoon não luta como John Wick (hipnótico e coreografado até a paralisia). Ela luta como alguém que passou a vida inteira treinando para ter opções, não para fazer bonito.

• **Cena do corredor (ato 2):** comparada pela crítica internacional a *Oldboy* — brutalidade crescente que revela o estado mental de Boksoon mais do que qualquer diálogo
• **A luta no banheiro:** confinamento de espaço usado para criar claustrofobia tática
• **Confronto final:** câmera mais lenta, mais emocional — quando o filme decide que a ação já não é o ponto, mas o custo dela
• **Treino com a filha:** a única cena de "ação" sem violência real — e ironicamente a mais reveladora sobre a personagem

A filha como espelho

A personagem de **Jae-yeong** (interpretada por Kim Si-a) é o coração emocional de *Kill Boksoon*. Uma adolescente no processo de descobrir sua identidade — incluindo sua orientação sexual — que tem a mãe menos disponível do mundo e as melhores desculpas involuntárias para ausências. A tensão entre as duas não é melodramática: é do tipo quieto, acumulado, de pessoas que se amam e não encontram o idioma certo para se comunicar.

O filme não resolve essa relação com um abraço e uma declaração. A resolução é mais sutil e mais honesta: a ideia de que amor real pode significar reconhecer os seus limites como pais e ainda assim aparecer quando importa, mesmo com sangue nas mãos.

O mundo corporativo da morte: uma sátira afiada

A MK ENT é onde o filme mais brilha como sátira. Toda a lógica corporativa está lá: o chefe carismático e amoral (Sol Kyung-gu num papel absolutamente delicioso), as intrigas internas por posição, os "valores da empresa" que mascaram as violências necessárias ao negócio, a lealdade comprada e vendida como mercadoria. *Kill Boksoon* está dizendo algo sobre trabalho moderno usando assassinos como metáfora — e funciona precisamente porque o filme nunca para para explicar a piada.

Referências que o filme conversa

*Kill Boksoon* está claramente em diálogo com outros filmes que misturam ação e comentário social. Identificar as referências enriquece a experiência — mas o filme funciona perfeitamente sem elas.

Filmes de assassinas profissionais

	Tom	Atuação fem.	Ação	Comentário social
Kill Boksoon (2023)	Drama + dark comedy	★★★★★	★★★★	★★★★★
Atomic Blonde (2017)	Estético / frio	★★★★	★★★★★	★★
Nikita (1990)	Thriller melancólico	★★★★★	★★★	★★★
The Killer (2023)	Filosófico / minimalista	—	★★★★	★★★★

Problemas reais que o filme tem

Por que Kill Boksoon importa além do entretenimento

O cinema de ação raramente coloca mulheres como protagonistas sem precisar justificar isso dentro da narrativa — a personagem precisa "provar" que merece o status de guerreira através de um trauma específico ou de uma origem especial. *Kill Boksoon* não faz isso. Boksoon é simplesmente a melhor nisso que faz. A questão não é "como uma mulher pode ser assim" — a questão é "o que custa ser assim, independente de gênero".

Isso parece sutil, mas representa uma mudança real: o filme trata sua protagonista feminina com a mesma ausência de explicação que Hollywood trata protagonistas masculinos. Nenhum filme do John Wick para para justificar por que um homem pode ser tão violento. *Kill Boksoon* oferece Boksoon com a mesma dignidade tácita.

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Kill Boksoon é um dos melhores filmes de ação dos anos 2020 — não apesar das emoções, mas por causa delas. Jeon Do-yeon faz algo raro: torna uma assassina a personagem mais humana da sala.

Kill Boksoon (2023): 8.5/10

**Dark Nuns** chegou à Netflix com o peso de dois nomes que sozinhos já justificam o play: **Song Hye-kyo** e **Jeon Yeo-been**. Uma, a atriz mais famosa da Coreia do Sul. A outra, a rainha do cinema de gênero depois de *Vincenzo* e *After My Death*. Quando o diretor **Park Hoon-jung** — o mesmo de *I Saw the Devil* e *New World* — decidiu colocar as duas num exorcismo de alto risco, a expectativa foi às alturas. O resultado? Um filme que divide opiniões, mas que é impossível de ignorar.

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O que você precisa saber antes de assistir

O enredo em poucas palavras (sem spoilers maiores)

Duas freiras de ordens completamente opostas — uma carismática e impulsiva (Jeon Yeo-been), a outra contida e metódica (Song Hye-kyo) — são convocadas para realizar um exorcismo em um garoto de 12 anos que tem sido consumido por uma entidade que os médicos não conseguem explicar. O que começa como uma missão religiosa vai se tornando cada vez mais pessoal, revelando segredos sobre fé, trauma e o preço de lidar com o mal sobrenatural.

A dupla que faz o filme funcionar

O grande trunfo de *Dark Nuns* é a química — ou melhor, a fricção — entre as duas protagonistas. **Jeon Yeo-been** entrega uma performance física e intensa: sua freira parece movida por uma fé raivosa, quase desesperada, como se ela precisasse do exorcismo tanto quanto o garoto. É o tipo de atuação que você não esquece porque vai contra o instinto — nenhuma freira de cinema parece assim.

**Song Hye-kyo** faz o oposto: contenção total. Seu rosto comunica volumes enquanto suas palavras dizem pouco. Para uma atriz conhecida por papéis emocionalmente expressivos em dramas, essa escolha de interpretação é uma surpresa bem-vinda. A combinação dos dois estilos cria uma tensão constante que funciona independentemente do enredo sobrenatural.

Eu queria que as duas freiras representassem dois tipos de fé — uma que grita para Deus e uma que escuta em silêncio. Ambas igualmente desesperadas.

— Park Hoon-jung, diretor (entrevista para a OSEN, 2024) [VERIFICAR]

Park Hoon-jung: o mestre do thriller coreano

Entender *Dark Nuns* exige entender quem é Park Hoon-jung. Ele é o roteirista e diretor responsável por alguns dos filmes mais sombrios e inventivos da Coreia dos últimos 20 anos. Não é um cineasta de horror clássico — é um cineasta de thriller que usa o horror como ferramenta para explorar violência, moralidade e o que pessoas comuns fazem quando confrontadas com o inexplicável.

• **I Saw the Devil (2010):** um dos filmes de crime mais perturbadores do cinema asiático — roteiro de Park Hoon-jung
• **New World (2013):** crime épico sobre infiltração policial em máfia — considerado o melhor filme coreano dos anos 2010 por muitos críticos
• **The Wailing (2016):** dirigido por Na Hong-jin com roteiro que Park contribuiu — mistura de horror e thriller policial
• **The Gangster, the Cop, the Devil (2019):** blockbuster de ação que virou franquia, com remake americano em produção
• **Dark Nuns (2025):** seu primeiro mergulho fundo no horror religioso como diretor principal

O horror religioso na Coreia: um contexto importante

Filmes de exorcismo e horror religioso têm uma história específica na Coreia do Sul. Diferente do horror americano, onde o catolicismo é o pano de fundo padrão desde *O Exorcista*, a Coreia tem uma mistura religiosa complexa: protestantismo evangélico forte, catolicismo histórico, budismo popular e xamanismo coreano (*musok*). Os melhores filmes de horror coreano geralmente exploram esse sincretismo, criando rituais e entidades que não se encaixam em nenhuma caixa religiosa específica.

Pontos fortes do filme

A fotografia que transforma o filme

Um dos maiores trunfos técnicos de *Dark Nuns* é a **fotografia de Kim Ji-yong**. O diretor de fotografia escolheu uma paleta deliberadamente dessaturada, dominada por cinzas azulados e verdes frios, com iluminação que parece vir de velas mesmo em ambientes modernos. Há um trabalho notável de **composição assimétrica** — os personagens raramente estão centralizados no frame, criando uma sensação constante de desequilíbrio que reforça o tema.

Comparando com outros exorcismos do cinema asiático

Comparação com outros exorcismos asiáticos

	Horror	Acesso. (1-5)	Atuação	Atmosfera
Dark Nuns (2025)	Slow-burn religioso	4	★★★★★	★★★★
The Wailing (2016)	Terror mitológico denso	3	★★★★★	★★★★★
Exhuma (2024)	Xamanismo popular	5	★★★★	★★★★
The Exorcist (1973)	Clássico católico	5	★★★★★	★★★★★

A trilha sonora: silêncio como instrumento

O compositor **Kim Tae-seong** fez escolhas incomuns para *Dark Nuns*. Em vez da trilha orquestral convencional de filmes de horror, há longos momentos de silêncio pontuados por sons diegéticos amplificados — passos, respiração, o ranger de madeira velha. Quando a música aparece, é frequentemente coral, evocando missa em latim, mas dissonante o suficiente para criar desconforto. É uma abordagem que premia quem assiste com fones de ouvido em volume alto.

Como assistir: guia prático

1. Ambiente certo

   Dark Nuns funciona melhor à noite, com luzes apagadas e fones de ouvido. A fotografia escura foi pensada para telas escuras — não assistir em ambiente muito claro.

2. Contexto cultural

   Saber que a Coreia tem uma história de catolicismo perseguido e xamanismo popular enriquece a leitura. O filme dialoga com ambas as tradições.

3. Paciência com o segundo ato

   O filme tem um ritmo irregular — o segundo ato é mais lento. Resista ao impulso de acelerar: algumas informações expositivas são importantes para o clímax.

4. Foco nas atuações

   Mesmo quando o horror recua, observe as expressões das protagonistas. O filme frequentemente conta a história real através de micro-expressões, não de diálogo.

O impacto no contexto da carreira das atrizes

Para **Song Hye-kyo**, *Dark Nuns* representa uma fase de reinvenção deliberada. Depois de *The Glory* (2022-2023) — em que ela interpretou uma sobrevivente de bullying em busca de vingança — a atriz claramente decidiu abandonar os dramas românticos que a fizeram famosa e explorar territórios mais sombrios. A escolha de *Dark Nuns* reforça esse compromisso. É um risco calculado: filmes de horror raramente ganham prêmios, mas solidificam credibilidade artística.

**Jeon Yeo-been** já havia estabelecido sua versatilidade em *Vincenzo* e nos filmes independentes que fizeram sua reputação. Em *Dark Nuns*, ela usa toda essa base técnica para uma performance que vai além do que qualquer papel anterior havia exigido dela. Há momentos no terceiro ato em que a câmera simplesmente para em seu rosto e deixa ela trabalhar — e ela entrega.

A recepção: crítica vs. público

A recepção de *Dark Nuns* revelou um gap incomum: a crítica foi mais fria do que o público. Enquanto sites especializados de horror dividiram opiniões sobre o ritmo e a resolução, o público da Netflix — especialmente na Ásia e no Brasil — colocou o filme consistentemente no top 10 por semanas. O que explica a diferença? Provavelmente as expectativas: críticos de horror queriam inovação no gênero; o público queria ver Song Hye-kyo e Jeon Yeo-been num thriller de alto calibre. O filme entrega o segundo muito mais do que o primeiro.

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Vale o hype?

Se você vai com expectativa de ser aterrorizado no nível de *The Wailing* ou *Exhuma*, pode se frustrar. *Dark Nuns* é menos um filme de horror e mais um **thriller de personagem com elementos sobrenaturais**. O verdadeiro horror aqui é humano: a fé testada até o limite, o trauma não resolvido se manifestando como monstro, o preço psicológico de enfrentar o inexplicável. Para quem quer ver duas das melhores atrizes do cinema coreano trabalhando em um material denso, com direção de alto nível, o filme é excelente.

Dark Nuns não vai te assustar muito. Mas vai te prender do começo ao fim com duas atuações que mostram por que Song Hye-kyo e Jeon Yeo-been estão entre as melhores da Coreia do Sul.

Dark Nuns (2025): 7.5/10

Trailer oficial de Guerreiras do K-Pop — Netflix

A Ideia que Levou 7 Anos para Ganhar Vida

Para muitos fãs de [K-pop](/groups), a cena parece familiar: três jovens sul-coreanas no palco, dançando em perfeita sincronia, com a multidão delirando. Mas no universo de **Guerreiras do K-Pop**, o que acontece depois que as luzes se apagam é algo muito diferente do que qualquer fã poderia imaginar.

Lançado em 20 de junho de 2025 pela Netflix em parceria com a Sony Pictures Animation, o filme levou sete anos de desenvolvimento para sair do papel. O projeto nasceu de uma premissa simples e irresistível: e se as ídols do K-pop fossem, secretamente, guerreiras sobrenaturais responsáveis por proteger a humanidade de demônios vindos do além?

A animação traz muito para o filme — o tom da história, os tipos de personagens que conseguimos criar, o tipo de comédia que pudemos explorar, o drama. Tenho total convicção de que o filme não teria alcançado o sucesso que teve se fosse live-action.

— Maggie Kang, diretora

Os diretores **Maggie Kang** e **Chris Appelhans** assumiram o projeto com um compromisso claro: criar algo enraizado na cultura coreana de verdade, não apenas em sua estética superficial. Kang — a única cineasta coreana no centro do projeto — carregava o peso de uma responsabilidade histórica e transformou esse peso em combustível criativo. Sete anos de pesquisa, consultoria cultural e desenvolvimento narrativo seriam necessários para realizar essa visão.

Huntrix: As Guerreiras por Trás da Fama

As protagonistas são Rumi, Mira e Zoey, integrantes do grupo **HUNTR/X** (lido como "Huntrix"). Para o público, elas são três das maiores estrelas do K-pop sul-coreano — perfeitas na coreografia, carismáticas nas entrevistas, imbatíveis nas plataformas de streaming. Mas sua identidade real está oculta por trás dessa fachada cuidadosamente construída.

Ao cair da noite, as três guerreiras trocam os holofotes por armaduras místicas e enfrentam os demônios que ameaçam rasgar o **Honmoon** — uma barreira mágica que separa o mundo dos vivos do reino espiritual. A premissa genial do filme é que essa barreira só pode ser mantida pelo canto das guerreiras. Quanto mais poderosa e emotiva a performance musical, mais resistente a proteção.

Um dos momentos mais tensos do filme é justamente quando Rumi — a líder do grupo — descobre que a única forma de salvar o Honmoon exigiria um sacrifício pessoal devastador. É nessa cena que a animação se mostrou indispensável: capturar a fragilidade e a determinação do personagem com tal precisão emocional seria impossível em live-action.

A mais difícil foi a cena em que Rumi vai até a Celine e pede para ser morta. É um pedido muito pesado. Os momentos emocionais são sempre os mais difíceis de acertar, porque você precisa sentir o que os personagens estão sentindo.

— Maggie Kang, sobre a cena mais difícil de animar

Os Saja Boys e a Crítica à Indústria

Nenhuma boa história de guerreiras estaria completa sem antagonistas à altura. Em **Guerreiras do K-Pop**, os vilões são os **Saja Boys** — um grupo rival de K-pop que esconde uma verdade perturbadora: são demônios disfarçados de ídolos, enviados para corromper e destruir o Honmoon.

Guerreiras do K-Pop é uma carta de amor ao K-pop — e também um exame crítico de sua cultura.

— David Tizzard, Korea Times

O nome "Saja" não é acidental. Na mitologia coreana do período Joseon, os **saja** são mensageiros do submundo, enviados para conduzir as almas dos mortos ao reino espiritual. Transformar esses espíritos em um grupo de K-pop é um dos movimentos narrativos mais inteligentes do filme — e também o mais perturbador para quem conhece a mitologia.

A dualidade ídolo/demônio nos Saja Boys funciona como uma crítica velada à indústria do entretenimento: grupos construídos artificialmente, com imagem fabricada e sem substância real. Enquanto o Huntrix usa a música para proteger, os Saja Boys a usam para manipular e destruir. A mensagem é clara: autenticidade tem um poder que a ilusão jamais terá.

As Raízes no Xamanismo Coreano

O que eleva **Guerreiras do K-Pop** acima de um simples entretenimento de ação é a seriedade com que trata suas raízes culturais. O filme é fundamentado no **musok** — o xamanismo coreano, uma das práticas espirituais mais antigas da península, ainda viva na cultura moderna.

No musok, os **mudangs** (xamãs) realizam rituais chamados **gut**, onde música e dança funcionam como pontes entre o mundo humano e o espiritual. Nesse contexto, o conceito do Honmoon não é pura fantasia — é uma extensão criativa de uma crença genuína de que a voz humana tem poder sobrenatural.

Era muito importante para mim mostrar a cultura coreana do jeito que eu queria mostrar. Este é o primeiro grande filme com a cultura coreana no centro. Eu não queria lançar nenhuma luz negativa sobre nenhuma parte dela.

— Maggie Kang, sobre a responsabilidade cultural do filme

Os diretores consultaram acadêmicos e praticantes do musok durante anos para garantir que essa representação fosse respeitosa e precisa. Esse nível de comprometimento com a autenticidade cultural chamou atenção de críticos e estudiosos: em vez de usar a Coreia como pano de fundo exótico, o filme a coloca no centro — sua mitologia, sua música, sua espiritualidade.

"Golden": A Canção que Ganhou o Globo de Ouro e o Oscar

Clipe oficial de 'Golden' — a canção vencedora do Globo de Ouro e do Oscar por Melhor Canção Original

Entre todos os acertos de **Guerreiras do K-Pop**, a música ocupa um lugar especial. A trilha sonora foi desenvolvida com o mesmo cuidado e ambição que se espera dos maiores grupos do K-pop real — produzida com técnica de classe mundial, mas com alma coreana inconfundível. As músicas funcionam em dois planos: como entretenimento imediato e como elemento narrativo essencial.

Quando eu era criança, trabalhei incansavelmente por 10 anos para realizar um único sonho: me tornar uma ídol do K-pop. Fui rejeitada e me disseram que minha voz não era boa o suficiente. Então me apoiei nas músicas para superar isso. Agora, aqui estou como cantora e compositora — é um sonho realizado fazer parte de uma canção que está ajudando outras meninas, outros meninos e pessoas de todas as idades a superarem suas dificuldades e a se aceitarem.

— EJAE, ao receber o Globo de Ouro por Melhor Canção Original

**"Golden"** venceu o Globo de Ouro de Melhor Canção Original e, meses depois, o Oscar na mesma categoria. A compositora e cantora **EJAE** — que viveu a própria jornada de rejeição no K-pop antes de encontrar seu caminho como artista — deu à canção uma autenticidade que vai além da ficção. É uma música sobre superação escrita por alguém que precisou superar.

A trilha sonora completa funciona como um álbum de K-pop real: **"How It's Done"**, **"What It Sounds Like"** e **"Your Idol"** do Huntrix criam um universo musical tão convincente que os fãs passaram semanas debatendo seus favoritos — esquecendo, por momentos, que se tratava de personagens fictícios.

Globo de Ouro, Oscar e 325 Milhões de Visualizações

Os números de **Guerreiras do K-Pop** na Netflix são simplesmente históricos. Para se ter uma ideia da escala: 325 milhões de visualizações equivalem a toda a população do Brasil assistindo ao filme mais de uma vez.

Guerreiras do K-Pop foi um sucesso fenomenal desde o início. Uma das coisas que me deixa animado e que me enche de orgulho pela equipe é que é uma animação original — não uma sequência, não uma adaptação live-action. Acertar o tom importa. A narrativa importa.

— Ted Sarandos, CEO da Netflix

Na temporada de premiações 2025–2026, o filme varreu as categorias. Além dos dois Globos de Ouro, **Guerreiras do K-Pop** fez história no Oscar: Maggie Kang e a produtora Michelle Wong se tornaram as primeiras pessoas de descendência sul-coreana a vencer o prêmio de Melhor Filme de Animação na história da Academia, na 98ª Cerimônia.

Para aqueles que se parecem comigo, lamento muito que tenha demorado tanto para nos vermos em um filme assim. Mas ele chegou. E isso significa que a próxima geração não precisará mais esperar. Isso é para a Coreia e para os coreanos em todo o mundo.

— Maggie Kang, ao receber o Oscar de Melhor Filme de Animação — 98ª Cerimônia do Oscar

O Futuro: Sequência e Um Legado em Construção

Com o sucesso estrondoso do primeiro filme, a Netflix confirmou a produção de uma sequência ainda durante o ciclo de lançamento. As estimativas apontam para um lançamento por volta de 2029 ou 2030, dando tempo suficiente para que a equipe criativa desenvolva uma história à altura do que foi construído.

Sinto um orgulho imenso como cineasta coreana de que o público queira mais dessa história coreana e dos nossos personagens coreanos. Há tanto mais a explorar nesse mundo que construímos, e estou animada para mostrar a vocês. Isso é só o começo.

— Maggie Kang, sobre a sequência confirmada

O impacto de **Guerreiras do K-Pop** vai além dos recordes. Para o [K-pop](/groups), é a confirmação de que o gênero que começou como um fenômeno regional e se tornou global com BTS e BLACKPINK agora protagoniza o maior original animado da história do streaming. E para a [Onda Coreana](/blog/o-que-e-hallyu-onda-coreana-explicada), é mais um capítulo em uma expansão cultural que parece não ter teto.

Para os fãs de K-pop no Brasil e no mundo, o filme representa algo especial: a prova de que o universo que eles amam — com seus [grupos](/groups), suas coreografias, suas histórias de superação — tem grandiosidade suficiente para ser o centro de uma das maiores produções de entretenimento da atualidade. As guerreiras já conquistaram o mundo; agora, elas constroem um legado.

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Nota do HallyuHub: 9.5/10

Por que o cinema coreano é inigualável

O cinema sul-coreano não escolhe entre arte e entretenimento — ele exige os dois ao mesmo tempo. Em poucas décadas, uma indústria que passou por censura severa se tornou a mais criativa do mundo, produzindo diretores capazes de misturar horror, comédia, melodrama e crítica social dentro de um único filme sem que nada pareça forçado. A lista abaixo reúne dez obras que definem esse legado — em ordem, do imprescindível ao inesquecível.

1. Parasita (2019) — Bong Joon-ho

O primeiro filme não-anglófono a vencer o Oscar de Melhor Filme é também o mais preciso retrato da desigualdade social já colocado na tela. A história de uma família pobre que se infiltra na vida de uma família rica começa como comédia de costumes e termina como tragédia inevitável. Bong Joon-ho nunca aponta o dedo para nenhum dos lados — e essa ambiguidade moral é o que torna Parasita uma obra-prima absoluta.

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2. Oldboy (2003) — Park Chan-wook

Um homem é preso em um quarto por quinze anos sem saber o motivo. Quando é solto, começa a busca pela resposta — e o que encontra vai destruir tudo. Oldboy é o segundo capítulo da Trilogia da Vingança de Park Chan-wook e provavelmente o filme de gênero mais intelectualmente ambicioso dos anos 2000. Ganhou o Grande Prêmio do Júri em Cannes e mudou a forma como o mundo via o thriller asiático.

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3. Memórias de um Assassino (2003) — Bong Joon-ho

Baseado no caso real do primeiro assassino em série confirmado da Coreia do Sul — cujo paradeiro permaneceu desconhecido por mais de três décadas — este é o filme que revelou Bong Joon-ho ao mundo. Dois detetives com métodos completamente opostos investigam crimes que não conseguem resolver, e a impotência diante da realidade se torna o verdadeiro tema do filme. Uma obra sobre o fracasso da razão.

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4. Trem para Busan (2016) — Yeon Sang-ho

O melhor filme de zumbis desde os anos de George Romero usa um trem-bala rumo a Busan como metáfora para o individualismo que destruiu a classe média coreana. Pai ausente e filho em perigo num mundo que acabou de colapsar: Yeon Sang-ho transforma um filme de gênero em uma meditação sobre paternidade e solidariedade. Emocionalmente devastador e de uma eficiência narrativa impecável.

5. A Hospedeira (2006) — Bong Joon-ho

Uma criatura monstruosa emerge do Rio Han depois que resíduos químicos americanos são despejados ilegalmente nas águas. O que vem a seguir é o filme de monstro mais politicamente engajado da história: a família tentando resgatar a filha capturada é constantemente atrapalhada por uma burocracia incompetente e um governo mais preocupado com relações públicas do que com vidas humanas. Bong Joon-ho em estado puro.

6. Eu Vi o Diabo (2010) — Kim Jee-woon

Um agente especial persegue o assassino da sua noiva — mas em vez de prendê-lo, decide prolongar seu sofrimento indefinidamente. O que começa como thriller de vingança evolui para uma investigação sobre o custo moral de se tornar o mal que você combate. É o filme mais perturbador desta lista, e talvez o mais honesto sobre o que a violência realmente faz com quem a pratica.

7. Burning (2018) — Lee Chang-dong

Baseado em um conto de Haruki Murakami, Burning segue um jovem escritor que reencontra uma garota da infância e conhece o misterioso homem rico que ela traz consigo. É um filme de três horas que opera no limiar entre o real e o fantástico, sobre a geração coreana que cresceu sem perspectivas em um país obcecado por riqueza. Um dos filmes mais elogiados de Cannes em décadas.

8. Oasis (2002) — Lee Chang-dong

Um ex-presidiário e uma mulher com paralisia cerebral desenvolvem um relacionamento improvável numa Seul que não tem lugar para nenhum dos dois. Lee Chang-dong subverte o melodrama coreano e entrega algo muito mais corajoso: um filme que trata seus personagens como seres humanos completos, não como vítimas nem como símbolos. Ganhou o Leão de Prata em Veneza e é um dos grandes filmes sobre amor e exclusão.

9. A Vida Amarga (2005) — Kim Jee-woon

Um assassino da máfia descobre que seu chefe quer eliminá-lo por uma razão trivial — e decide que não vai morrer sem antes destruir tudo. A Vida Amarga é visualmente o mais belo desta lista: Kim Jee-woon dirige como se cada frame fosse uma fotografia, e o resultado é um neo-noir impecável sobre lealdade, traição e a poesia estranha da violência. Lee Byung-hun em um de seus melhores papéis.

10. Primavera, Verão, Outono, Inverno… e Primavera (2003) — Kim Ki-duk

No lago mais silencioso do mundo, um monastério flutuante abriga um monge velho e seu aprendiz. O filme acompanha o ciclo de vida do aprendiz ao longo de décadas — cada estação representando uma fase — sem quase nenhum diálogo, apenas imagens de uma beleza que parece impossível. Kim Ki-duk raramente foi tão contido e tão profundo. Um filme que parece mais uma experiência contemplativa do que uma história.

Por onde começar

Se você está chegando agora, comece por Parasita — é o mais acessível e o que melhor apresenta o estilo coreano. Em seguida, Memórias de um Assassino e Trem para Busan são ótimas portas de entrada. Para explorar mais, vá direto a Lee Chang-dong: Burning e Oasis mostram um lado completamente diferente do cinema coreano — mais lento, mais literário, igualmente devastador.